“印象莫奈：时光映迹艺术展”本月起到12月相继在成都、北京、上海、广州四地进行巡展，400幅莫奈名作以数字成像技术呈现。正如此前在上海举办的“不朽的梵高”感应艺术大展，越来越多的大师展使用了数字化虚拟展览的形式。不见实物、单见影像的虚拟展览，究竟是货真价实的大展，还是一种隔靴搔痒的艺术消遣？本文以一堂讨论课的样式，对这一现象议论风生。

　　讨论者：王远（华东师大美术系教授、博士生导师）

　　李娜娜（华东师大美术系2015级博士）

　　尼娜（智利）、白冰、李亚琼、邬保康（华东师大美术系2015级硕士）

　　吸引大众入“画”，但无法取代原作观感

　　王远：讨论数字化的展览方式，我认为得从艺术推广的传统方式和现代方式的分野来看。选择何种展览形式，主要看主办方办展的目的。“印象莫奈：时光映迹艺术展”针对的是普通观众。对于想要从原画中体会其要领的专业人士，自然不能从多媒体展览学到画作的精髓；　专业人士还是去看原作展览更为有效。

　　莫奈的画作对于业内专业者而言，属于“古董”级精品。不过，新型的展览可能会使更多的非专业人士介入到艺术领域。从传播效率上看，我认为新型的数字化展览方式无可厚非，因为它对传播对象也就是非专业人士起到的是启蒙作用，是用新技术去普及艺术。中国的一般观众大多仅知道有限的几位名家，数字化展览从观赏性、娱乐性上，更能把他们带进去。这样做，可能也会促使观者将来进一步去看原作。

　　其实，所谓的专业者也并非天生形成。现在很多艺术家不太思考在艺术和民众之间怎样找到联系桥梁，站在这个角度，我觉得没有必要去深究这种展览方式的缺点。

　　李亚琼：实物艺术作品的展出往往会与展览环境发生关系，与观众产生互动。例如1917年，马塞尔·杜尚将现成品小便斗作为艺术作品在展览馆展出，其作品意义体现在生活用品所处环境的置换。中国画这样的东方艺术作品，在西方展览环境下呈现，也会出现不一样的效果。古老的艺术作品于现代展馆重新现身，又和当下语境发生关系，这使原作的魅力不再停留于创作的时代和环境。

　　梵高、莫奈等大师的艺术逐渐为人们熟知，以数字媒体形式展出作品，有一定的娱乐效果，会让观众觉得更有趣味性和新鲜感。这种传播方式，比起拿课本或原作来解读知识更直接有效。而对于专业界来说，新的展览形式值得我们关注和思考，而过分追究其学术价值，意义不大。

　　尼娜：我认为作为起点，让普通观众接近博物馆和艺术展览，也许是一个很好的开始。至于以运动的数码形式展示艺术品，相比传统展示在一个静态的地方，它是有额外吸引力的。但是对于专业人士，我认为可能没有帮助。

　　今天，艺术家使用新技术媒介创作和生产艺术，这些新艺术创造了新的语言。然而像“印象莫奈：时光映迹艺术展”中，我看不到一个明确的新视角或者艺术核心，更多的只是用新媒体去演绎一场丰富多彩的“节目”。我认为数字艺术包括两层意思：一种是艺术家用数字技术去创作；另一种是更多着眼于商业行为，比如莫奈和梵高的多媒体数字展览。我不认为这样的展览能代替原作并给人以艺术体验。

　　现在我们仍然研究原作，因为它们仍然感动我们，仍然提出艺术问题。尽管我们对大部分的艺术作品都是通过复制品来了解，但是，我们真的可以用这种数字展览的方式来替代真正的原作观感么？使用影像、视频、互联网，可以真实地“接触”到大师的作品么？我的回答是未必。就像把梵高的绘画翻制成一个漂亮的巧克力盒子，虽然很漂亮，但是不会帮助我们更理解画家——这位名叫文森特·梵高的画家，以及他关于艺术的思考。

　　本雅明在他的著作中提到，复制的艺术作品导致了古典艺术的“灵韵”消逝，即艺术美境的消失。原作中有很多元素是复制图像无法代替的。其实，不同于使用数字媒体进行艺术创作的作品，数字化展览呈现的作品是过去的艺术作品，而这种新的展览方式就像一段不错的电影预告片，虽然很有暗示性，但它不会带来在一部完整的电影中才能体会到的深层次思考。